Ispirato a questo saggio di Lea Melandri.domenica 29 agosto 2010
sabato 28 agosto 2010
parmigiano reggiano (quando c'è si nota)
Per gli anni 2006, 2007 e 2008, il Consorzio del Parmigiano Reggiano ha ideato una divertente campagna pubblicitaria ispirata al genere musical. Qui lo spot completo delle varie versioni, compresa quella natalizia. I danzatori sono stati tramutati in ortaggi o pasta, la cui vita viene riaccesa dall'arrivo del Parmigiano Reggiano.
I costumi dei danzatori sono caratterizzati da imbottiture che limitano molto l'articolazione dei movimenti, anche se i colori vivaci rendono l'atmosfera allegra. La coreografia consiste in spostamenti minimi del busto, saltelli e giri. L'effetto coreografico viene dato principalmente dal fatto che questi movimenti vengono fatti in coppia o in gruppo. La scena è fatta di un pavimento a scacchi bianchi e rossi dove troneggia una gigantesca forma di parmigiano (da cui il sottotitolo della campagna), dalla quale escono dei buffi danzatori vestiti da scaglie con delle parrucche bionde in testa. La colonna sonora dello spot è la travolgente Mamma Maria (1982) dei Ricchi e Poveri, il cui testo è stato riadattato per l'occasione.
Il genere musical è da anni presente sul nostro territorio. Esso si caratterizza per la combinazione di varie arti quali la musica, il canto, la danza e la recitazione. La danza, di solito, ha un ruolo funzionale alla storia narrata e subalterno alla musica, come si evince da nomi di compositori famosi anche grazie al musical, quali George Gershwin e Andrew Lloyd Webber. Un musical difficilmente è noto per il coreografo o coreografa che ne ha curato le parti danzate, mentre spesso, appunto, viene ricordato per l'autore delle musiche o, eventualmente, della storia. Eppure, Cats (1981) non avrebbe probabilmente ottenuto il successo planetario che lo accompagna da decenni, senza le coreografie di Gillian Lynne. Così come West Side Story (1957) non si sarebbe impresso nella mente di molti senza le coreografie firmate da Jerome Robbins.
Per quanto concerne l'uso di costumi ingombranti, mi viene in mente il balletto ideato dallo scultore e pittore del Bauhaus, Oskar Schlemmer, Triadisches Ballet (1922) [balletto triadico], incentrato sul principio della trinità. Il balletto è infatti diviso in tre atti e consta di tre danzatori (due uomini e una donna), dodici scene e diciotto costumi. Questi ultimi si caratterizzano per le forme geometriche che trasformano la figura umana in un disegno astratto. Furono i primi ad essere concepiti, poi venne la musica ed infine la danza. Qui, qui e qui delle foto. Qui un estratto video della ricostruzione del balletto.
(post riveduto e integrato il 10 settembre 2010)
I costumi dei danzatori sono caratterizzati da imbottiture che limitano molto l'articolazione dei movimenti, anche se i colori vivaci rendono l'atmosfera allegra. La coreografia consiste in spostamenti minimi del busto, saltelli e giri. L'effetto coreografico viene dato principalmente dal fatto che questi movimenti vengono fatti in coppia o in gruppo. La scena è fatta di un pavimento a scacchi bianchi e rossi dove troneggia una gigantesca forma di parmigiano (da cui il sottotitolo della campagna), dalla quale escono dei buffi danzatori vestiti da scaglie con delle parrucche bionde in testa. La colonna sonora dello spot è la travolgente Mamma Maria (1982) dei Ricchi e Poveri, il cui testo è stato riadattato per l'occasione.
Il genere musical è da anni presente sul nostro territorio. Esso si caratterizza per la combinazione di varie arti quali la musica, il canto, la danza e la recitazione. La danza, di solito, ha un ruolo funzionale alla storia narrata e subalterno alla musica, come si evince da nomi di compositori famosi anche grazie al musical, quali George Gershwin e Andrew Lloyd Webber. Un musical difficilmente è noto per il coreografo o coreografa che ne ha curato le parti danzate, mentre spesso, appunto, viene ricordato per l'autore delle musiche o, eventualmente, della storia. Eppure, Cats (1981) non avrebbe probabilmente ottenuto il successo planetario che lo accompagna da decenni, senza le coreografie di Gillian Lynne. Così come West Side Story (1957) non si sarebbe impresso nella mente di molti senza le coreografie firmate da Jerome Robbins.
Per quanto concerne l'uso di costumi ingombranti, mi viene in mente il balletto ideato dallo scultore e pittore del Bauhaus, Oskar Schlemmer, Triadisches Ballet (1922) [balletto triadico], incentrato sul principio della trinità. Il balletto è infatti diviso in tre atti e consta di tre danzatori (due uomini e una donna), dodici scene e diciotto costumi. Questi ultimi si caratterizzano per le forme geometriche che trasformano la figura umana in un disegno astratto. Furono i primi ad essere concepiti, poi venne la musica ed infine la danza. Qui, qui e qui delle foto. Qui un estratto video della ricostruzione del balletto.
(post riveduto e integrato il 10 settembre 2010)
venerdì 27 agosto 2010
surreal friends
SURREAL FRIENDS
Pallant House Gallery
Chichester, UK
June 19 – September 12
http://www.pallant.org.uk/home
Pallant House Gallery has org
anised a beautiful exhibition dedicated to three women artists, Leonora Carrington, Remedios Varo and Kati Horna. Its title, Surreal Friends, refers to the fact that they developed their art in relation to Surrealism, to which they added a peculiar and enchanting perspective, and, most of all, to the fact that they were good friends. All of them, in fact, went through the trauma of war and exile. They were European (Carrington was English, Varo Spanish, Horna, Hungarian) who travelled to Mexico to escape from Nazism and Fascism.
The exhibition is a celebration of their sisterhood. As Joanna Moorhead has noted, their escape represented a kind of liberation from the bonds society had put on them. Carrington came from a good family who introduced her to king George V and expected her to have a suitable marriage; Varo was raised in a convent; and Horna had a poor and difficult childhood. In Mexico City, they were able to marry and, except for Varo, have children, according to their own way, precisely because “their new homes gave them the space and peace to deconstruct their previous, action-filled existences”. Of the three, Carrington is still alive and still living in that house where she used to meet her friends. Even though the exhibition is dedicated to them, it presents their work in separated rooms, thus maybe missing part of the point in bringing them together.
Carrington (1917) is possibly the most disturbing artist of the three. Her paintings are not always characterised by the same style and her imagination gives life to the most curious and unexpected shapes. There is often a sinister sense of awareness of what the subconscious can produce in her canvases. One of the most striking works is The Giantess, also called The Guardian of the Eggs (1950). It presents a fair haired woman with a small, almost childish face, and a strong-built body, that occupies almost all the painting. The colour of her hair is in contrast with that of her red dress and white cloak. Her tiny hands take care of a small egg, as if it were the most precious thing in the world. Then, the sinister touch: the giantess is surrounded by grey birds, two of which are coming out of her cloak. Are they her birds? Is she their guardian too? Maybe they are just her creatures. At her feet and behind her, other worlds are presented. A Lilliputian wood is populated by a group of people and numerous dogs. Both of them are running after a naked four winged female figure, who maybe inspired the fantastic six winged character from Carrington's novel The Hearing Trumpet:
…and we witnessed for a second an extraordinary creature. It shone with a bright light coming from its own body, the body of a human being entirely covered with glittering feathers and armless. Six great wings sprouted from its body and quivered ready for flight.
Behind the giantess, there is a sea of marvels, with boats, fish of many kinds and a whale. This powerful image is rooted in the Virgin’s iconography, but is much more assertive and self-aware. She does not look like a devoted mother, but rather as a sacred priestess. Her hair, for example, is not covered by any veil, but shines as the most luminous point in the painting. Other paintings displayed in the exhibition include, Green tea (or La Dame Ovale) dated 1942, characterised by a woman wrapped in a black and white fabric, surrounded by a garden with strangely shaped trees; and The House Opposite (La Maison En Face) (1945), a work where many female creatures run, prepare green-coloured potions and move between the different levels of the house they inhabit.
Remedios Varo (1908-1963), is quite a different story. Her sign is more precise and filled with minute details, and her style remains quite consistent. However, as her friend, she was able to create imaginary worlds too. And she did so mainly following two recurring aspects: the repetition of a face with autobiographical traits and the invention of mechanical devices surrounding or containing her figures. In her intimate paintings, a figure, whose eyes especially recall those of Varo’s, recurs. According to Janet Kaplan, Varo’s “work is filled with self-portrait characters, but they are abstracted, metaphoric, ironic. Placed in a variety of situations (…) they become symbolic equivalents of the artist herself”. In Encounter (1959), a woman sits at a round table in a room. She is wrapped in a light blue set of fabrics that constitute the fluid, dynamic and chromatic quality of the work. Part of these fabrics reach a box on the table, a box the woman is opening. From inside the box her same face appears, as if to underline that the most important encounter we can have, is with ourselves. With regards to the mechanical devices, Varo learnt to draw them from her father who was a hydraulic engineer and often asked her to copy his drawings to keep her quiet when she was a child. In Spiral Transit (1962), Varo creates a fortified wall that develops according to a spiral shape and is filled with water. In its spiralling canals, strange machines, a mixture of wheeled and womb shaped boats, sail. Neither of them has an engine, but moves thanks to the wind or the work of its sailor. Other paintings included are the stunning Dragonfly Woman (1956-1958), where Varo’s masklike self-portrait is used to create an eerie figure, a woman-dragonfly filled with tiny translucent wings.
Kati Horna (1912-2000), was not a painter, but a photographer, and she is the less known of the three. She was a war photograph during the Spanish Civil War and became a portrait photographer in Mexico. As Joanna Moorhead has noted, “she is a master at using inanimate (if often human-related) objects – the doll, the mask, the puppet – to convey emotion and struggle and reality”. One witty example is Couple, Series, Fleamarkets of Paris, taken in 1934. It presents two cardboard figures, a man and a woman, standing one in front of the other, among other objects of the market, like a pair of shoes and a table. David Bate has argued that “the surreal is (…) a signifying effect (…) where a meaning is partially hidden, where the message appears ‘enigmatic’ regardless of how (…) it has been produced”. Horna’s photograph refers to the idea of a couple, presenting a man and a woman, but makes it enigmatic by choosing two cardboard figures to represent them. Horna also used the technique of collage and photomontage as it can be seen in The Aragón Front (1938), where the face of an aged man and of a kid behind him, is placed against the bare wall of a house destroyed by war. It is of great dramatic effect. Other stunning photographs showed in the exhibition, feature The Umbrellas (1937), where Horna’s camera captures from above a street filled with people with umbrellas, ; and Remedios Varo in a Mask by Leonora Carrington (1957), where Varo’s profile is framed by Carrington’s mask, made of a face surrounded by black lace. Emblematic and mocking, it is a tribute to the three artists’ friendship and art.
Pallant House Gallery
Chichester, UK
June 19 – September 12
http://www.pallant.org.uk/home
Pallant House Gallery has org
anised a beautiful exhibition dedicated to three women artists, Leonora Carrington, Remedios Varo and Kati Horna. Its title, Surreal Friends, refers to the fact that they developed their art in relation to Surrealism, to which they added a peculiar and enchanting perspective, and, most of all, to the fact that they were good friends. All of them, in fact, went through the trauma of war and exile. They were European (Carrington was English, Varo Spanish, Horna, Hungarian) who travelled to Mexico to escape from Nazism and Fascism.The exhibition is a celebration of their sisterhood. As Joanna Moorhead has noted, their escape represented a kind of liberation from the bonds society had put on them. Carrington came from a good family who introduced her to king George V and expected her to have a suitable marriage; Varo was raised in a convent; and Horna had a poor and difficult childhood. In Mexico City, they were able to marry and, except for Varo, have children, according to their own way, precisely because “their new homes gave them the space and peace to deconstruct their previous, action-filled existences”. Of the three, Carrington is still alive and still living in that house where she used to meet her friends. Even though the exhibition is dedicated to them, it presents their work in separated rooms, thus maybe missing part of the point in bringing them together.
Carrington (1917) is possibly the most disturbing artist of the three. Her paintings are not always characterised by the same style and her imagination gives life to the most curious and unexpected shapes. There is often a sinister sense of awareness of what the subconscious can produce in her canvases. One of the most striking works is The Giantess, also called The Guardian of the Eggs (1950). It presents a fair haired woman with a small, almost childish face, and a strong-built body, that occupies almost all the painting. The colour of her hair is in contrast with that of her red dress and white cloak. Her tiny hands take care of a small egg, as if it were the most precious thing in the world. Then, the sinister touch: the giantess is surrounded by grey birds, two of which are coming out of her cloak. Are they her birds? Is she their guardian too? Maybe they are just her creatures. At her feet and behind her, other worlds are presented. A Lilliputian wood is populated by a group of people and numerous dogs. Both of them are running after a naked four winged female figure, who maybe inspired the fantastic six winged character from Carrington's novel The Hearing Trumpet:
…and we witnessed for a second an extraordinary creature. It shone with a bright light coming from its own body, the body of a human being entirely covered with glittering feathers and armless. Six great wings sprouted from its body and quivered ready for flight.
Behind the giantess, there is a sea of marvels, with boats, fish of many kinds and a whale. This powerful image is rooted in the Virgin’s iconography, but is much more assertive and self-aware. She does not look like a devoted mother, but rather as a sacred priestess. Her hair, for example, is not covered by any veil, but shines as the most luminous point in the painting. Other paintings displayed in the exhibition include, Green tea (or La Dame Ovale) dated 1942, characterised by a woman wrapped in a black and white fabric, surrounded by a garden with strangely shaped trees; and The House Opposite (La Maison En Face) (1945), a work where many female creatures run, prepare green-coloured potions and move between the different levels of the house they inhabit.
Remedios Varo (1908-1963), is quite a different story. Her sign is more precise and filled with minute details, and her style remains quite consistent. However, as her friend, she was able to create imaginary worlds too. And she did so mainly following two recurring aspects: the repetition of a face with autobiographical traits and the invention of mechanical devices surrounding or containing her figures. In her intimate paintings, a figure, whose eyes especially recall those of Varo’s, recurs. According to Janet Kaplan, Varo’s “work is filled with self-portrait characters, but they are abstracted, metaphoric, ironic. Placed in a variety of situations (…) they become symbolic equivalents of the artist herself”. In Encounter (1959), a woman sits at a round table in a room. She is wrapped in a light blue set of fabrics that constitute the fluid, dynamic and chromatic quality of the work. Part of these fabrics reach a box on the table, a box the woman is opening. From inside the box her same face appears, as if to underline that the most important encounter we can have, is with ourselves. With regards to the mechanical devices, Varo learnt to draw them from her father who was a hydraulic engineer and often asked her to copy his drawings to keep her quiet when she was a child. In Spiral Transit (1962), Varo creates a fortified wall that develops according to a spiral shape and is filled with water. In its spiralling canals, strange machines, a mixture of wheeled and womb shaped boats, sail. Neither of them has an engine, but moves thanks to the wind or the work of its sailor. Other paintings included are the stunning Dragonfly Woman (1956-1958), where Varo’s masklike self-portrait is used to create an eerie figure, a woman-dragonfly filled with tiny translucent wings.Kati Horna (1912-2000), was not a painter, but a photographer, and she is the less known of the three. She was a war photograph during the Spanish Civil War and became a portrait photographer in Mexico. As Joanna Moorhead has noted, “she is a master at using inanimate (if often human-related) objects – the doll, the mask, the puppet – to convey emotion and struggle and reality”. One witty example is Couple, Series, Fleamarkets of Paris, taken in 1934. It presents two cardboard figures, a man and a woman, standing one in front of the other, among other objects of the market, like a pair of shoes and a table. David Bate has argued that “the surreal is (…) a signifying effect (…) where a meaning is partially hidden, where the message appears ‘enigmatic’ regardless of how (…) it has been produced”. Horna’s photograph refers to the idea of a couple, presenting a man and a woman, but makes it enigmatic by choosing two cardboard figures to represent them. Horna also used the technique of collage and photomontage as it can be seen in The Aragón Front (1938), where the face of an aged man and of a kid behind him, is placed against the bare wall of a house destroyed by war. It is of great dramatic effect. Other stunning photographs showed in the exhibition, feature The Umbrellas (1937), where Horna’s camera captures from above a street filled with people with umbrellas, ; and Remedios Varo in a Mask by Leonora Carrington (1957), where Varo’s profile is framed by Carrington’s mask, made of a face surrounded by black lace. Emblematic and mocking, it is a tribute to the three artists’ friendship and art.
martedì 24 agosto 2010
domenica 22 agosto 2010
l'erba voglio
Francia e Italia
vogliono trasformare i Rom
in una specie in via d'estinzione,
ma l'erba voglio
non esiste
neanche
nel giardino dei re!
vogliono trasformare i Rom
in una specie in via d'estinzione,
ma l'erba voglio
non esiste
neanche
nel giardino dei re!
sabato 21 agosto 2010
la danza fuori dalla scena (atti)
E' uscito da qualche mese il volume, La danza fuori dalla scena - Cultura, media educazione (cliccare sul titolo per informazioni e ordini), frutto delle giornate di studio a Chieti, il 19 e 20 giugno 2009. Qui e qui due link. Il volume contiene il mio saggio, "Sulle tracce di Letter to the World: lo studio di una coreografia di Martha Graham fra ricostruzione e precarietà", dove analizzo la coreografia di Graham secondo una prospettiva metatestuale, indagando le problematiche inerenti la sua ricostruzione e la condizione di precarietà che ne ha costituito e ne costituisce il background. Sulla precarietà degli studiosi italiani ho creato una strisica a fumetti a cui ho dedicato un blog, The p.s. - la studiosa precaria, qui il link.
venerdì 20 agosto 2010
la scossa
La scossa è uno stacchetto di danza all'interno della trasmissione L'Eredità. Fu ideato da Amadeus (a quanto ha dichiarato lui in una puntata di Victor Victoria) e principalmente danzato dalla sua allora partner ed ora consorte Giovanna Civitillo, quando entrambi facevano parte del programma (dal 2002 alla primavera del 2006). Dall'autunno 2006, è condotto da Carlo Conti e da quattro ragazze sue assistenti, chiamate le professoresse. La scossa era una breve frase coreografica eseguita su di una musica ritmata, di solito una hit del momento o una canzone famosa. Ora è costituita dall'entrata in scena, completa di musica, di una delle professoresse, che accenna appena a qualche movimento.
I movimenti della scossa di Civitillo erano soprattutto movimenti delle braccia, torso e bacino, con una limitata articolazione delle gambe, presumo a causa dello spazio limitato in cui si muoveva. Civitillo inoltre eseguiva numerosi scatti con la testa, il cui effetto era potenziato dai capelli lunghi e sciolti. Qui un esempio in video. I costumi indossati da Civitillo erano disegnati in modo da esaltare il torso e il bacino, lasciando scoperte le gambe; ai piedi indossava delle scarpe col tacco. Le inquadrature della cinepresa di turno, di solito, erano dal basso verso l'alto in modo da sottolinearne le curve in modo alquanto esplicito (in questo video senza audio si rasenta la pornografia).
Gli stacchetti non presentavano una particolare invenzione coreografica, anzi tendevano a ripetersi con minime variazioni. L'interpretazione era piuttosto piatta, anche se i movimenti erano piuttosto seducenti ed energici. Civitillo danzava una caricatura della femme fatale che, nel contesto del gioco a quiz, diveniva grottesca: ella danzava in uno spazio circolare attorno al quale stavano i concorrenti; a volte utilizzava la struttura che ne segna il perimetro come sostegno per una mossa (come in questo caso); il conduttore e i concorenti, così come il pubblico, indossavano abiti comuni o eleganti, mentre Civitillo si presentava quasi nuda con abiti succinti, come se fosse in un night club.
Questo stacchetto andava in onda nella fascia preserale e, nel 2004, l'allora presidente Rai, Lucia Annunziata, lo criticò aspramente. Nella sopramenzionata puntata di Victor Victoria, Amadeus ha sottolineato la preparazione classica di Civitillo, quasi ad aggiungere una beffa alla sua immagine. Non importa essere diplomate in danza classica se poi in tv ti spogliano e ti fanno ancheggiare come una pornodiva. Interessante notare che, quasi per una legge del contrappasso, Victoria Cabello ha chiesto ad Amadeus di danzare una sua versione della scossa durante la trasmissione.
I movimenti della scossa di Civitillo erano soprattutto movimenti delle braccia, torso e bacino, con una limitata articolazione delle gambe, presumo a causa dello spazio limitato in cui si muoveva. Civitillo inoltre eseguiva numerosi scatti con la testa, il cui effetto era potenziato dai capelli lunghi e sciolti. Qui un esempio in video. I costumi indossati da Civitillo erano disegnati in modo da esaltare il torso e il bacino, lasciando scoperte le gambe; ai piedi indossava delle scarpe col tacco. Le inquadrature della cinepresa di turno, di solito, erano dal basso verso l'alto in modo da sottolinearne le curve in modo alquanto esplicito (in questo video senza audio si rasenta la pornografia).
Gli stacchetti non presentavano una particolare invenzione coreografica, anzi tendevano a ripetersi con minime variazioni. L'interpretazione era piuttosto piatta, anche se i movimenti erano piuttosto seducenti ed energici. Civitillo danzava una caricatura della femme fatale che, nel contesto del gioco a quiz, diveniva grottesca: ella danzava in uno spazio circolare attorno al quale stavano i concorrenti; a volte utilizzava la struttura che ne segna il perimetro come sostegno per una mossa (come in questo caso); il conduttore e i concorenti, così come il pubblico, indossavano abiti comuni o eleganti, mentre Civitillo si presentava quasi nuda con abiti succinti, come se fosse in un night club.
Questo stacchetto andava in onda nella fascia preserale e, nel 2004, l'allora presidente Rai, Lucia Annunziata, lo criticò aspramente. Nella sopramenzionata puntata di Victor Victoria, Amadeus ha sottolineato la preparazione classica di Civitillo, quasi ad aggiungere una beffa alla sua immagine. Non importa essere diplomate in danza classica se poi in tv ti spogliano e ti fanno ancheggiare come una pornodiva. Interessante notare che, quasi per una legge del contrappasso, Victoria Cabello ha chiesto ad Amadeus di danzare una sua versione della scossa durante la trasmissione.
venerdì 13 agosto 2010
carmella (the hearing trumpet)
Carmella is the funniest character in Leonora Carrington's The Hearing Trumpet. She is the protagonist's best friend and the one who gives her the hearing trumpet as a present. She is bald and always wears a red wig, "a kind of queenly gesture to her long lost hair". She is described as a "very intellectual woman" whose main passion is to write letters to people she does not know and who never reply to her. When Marian tells her of her son's idea to send her to a house for old women, Carmella's reaction is unpractical and totally hilarious: "'You might escape to Lapland' said Carmella. 'We could knit a tent here so you wouldn't have to buy one when you arrived'".
While in the institution for old women, Marian receives a letter from Carmella where she mentions the dream of a nun (thus recalling the painting of the winking nun in the Institution) and plans a possible escape based on "undeground passages". Carmella then goes to pay a visit to Marian and gives her chocolate biscuits and a bottle of port, kept in a water bottle, "in case anybody might examine the basket".
Later on, Carmella comes to rescue her friend from Dr. Gambit's rigid stubborness, when she convinces him to send away Natacha and Vera, suspected of poor Maude's death. By chance, she discovers a mine of uranium in her house and becomes a millionaire. As a consequence of that, she decides to go and stay with her friend and help her out during the new glacial era, with the aid of a violet limousine stuffed with coats and food and Majong, her chauffeur.
Accordng to Ali Smith, who wrote the beautiful introduction to the Penguin 2005 edition, Carmella is inspired by Remedios Varo, Carrington's Spanish friend, whose paintings are full of rich and sofisticated inventiveness. Pallant House Gallery (Chichester, UK) has organised a stunning exhibition dedicated to Carrington, Varo and their friend Kati Horna. Significantly, the title of the exhibition is Surreal Friends, open until September 12th, 2010. Here a very interesting video with Carrington herself (she still lives in Mexico City where her friendship with Varo and Horna flourished) talking about art.
While in the institution for old women, Marian receives a letter from Carmella where she mentions the dream of a nun (thus recalling the painting of the winking nun in the Institution) and plans a possible escape based on "undeground passages". Carmella then goes to pay a visit to Marian and gives her chocolate biscuits and a bottle of port, kept in a water bottle, "in case anybody might examine the basket".
Later on, Carmella comes to rescue her friend from Dr. Gambit's rigid stubborness, when she convinces him to send away Natacha and Vera, suspected of poor Maude's death. By chance, she discovers a mine of uranium in her house and becomes a millionaire. As a consequence of that, she decides to go and stay with her friend and help her out during the new glacial era, with the aid of a violet limousine stuffed with coats and food and Majong, her chauffeur.
Accordng to Ali Smith, who wrote the beautiful introduction to the Penguin 2005 edition, Carmella is inspired by Remedios Varo, Carrington's Spanish friend, whose paintings are full of rich and sofisticated inventiveness. Pallant House Gallery (Chichester, UK) has organised a stunning exhibition dedicated to Carrington, Varo and their friend Kati Horna. Significantly, the title of the exhibition is Surreal Friends, open until September 12th, 2010. Here a very interesting video with Carrington herself (she still lives in Mexico City where her friendship with Varo and Horna flourished) talking about art.
mercoledì 11 agosto 2010
il tuca tuca
Il tuca tuca (qui il video) è una ballo di coppia inventato da Raffaella Carrà in occasione della trasmissione Canzonissima del 1970. Suo parnter fu Enzo Paolo Turchi. E' abbinato ad una canzone omonima scritta da Gianni Boncompagni e Franco Pisano, che fa direttamente riferimento alla danza, definita come "stranissimo ballo", il cui scopo è di sedurre l'amato. Qui il testo.
E' un ballo molto semplice che quasi tutti possono eseguire. I due danzatori stanno uno di fronte all'altro e, a turno, toccano (da cui il termine 'tuca'), con la punta delle dita delle mani, le ginocchia o le gambe, i fianchi, le spalle e il viso o testa dell'altro. Il toccare è in diagonnale, in quanto la mano sinistra tocca il ginocchio opposto del partner e così pure la destra. Una volta toccato il viso o la testa del partner, le mani toccano la propria testa, quasi a far passare l'energia da un corpo all'altro. Il movimento in diagonale conferisce dinamicità al gesto, che viene continuamente ripetuto e intervallato da un cambré all'indietro con gambe piegate, eseguito con un braccio in alto e l'altro che poggia a terra. E' l'unico movimento articolato di questo ballo che acquisisce spessore grazie alla canzone, il cui testo è ironico e allusivo. Carrà, come si evince dal video, indossava un costume che metteva in mostra il suo ombelico, fatto questo che destò scalpore.
Nonostante sia un ballo di coppia, il tuca tuca non prevede una divisione di genere come altri balli quali il tango. Ossia il ballerino e la ballerina non hanno ruoli diversi a seconda del loro genere (maschio o femmina), ma interscambiabili. Entrambi fanno lo stesso movimento a turno. Questo aspetto viene alterato per esempio quando Carrà esegue il tuca tuca con Alberto Sordi, il cui toccare si carica di una sensualità esplicita, quando, per esempio, egli si sofferma a toccare l'ombelico di Carrà facendo un saltello e spezzando la simmetria del ballo. Va da sé anche sottolineare che Carrà, essendo l'ideatrice del ballo e colei che canta la canzone ad esso abbinata, ha un ruolo preponderante rispetto al suo partner, ma fondamentalmente la struttura del ballo è simmetrica.
Lo scorso 8 agosto, per festeggiare il quarantesimo anno di vita di questo ballo, quasi 500 pesone si sono radunate a Bellaria, in occasione del festival Milleluci, per entrare nel Guinness World Record e ballare il tuca tuca per 5 minuti (qui l'articolo del Resto del Carlino). Dalle foto pubblicate, si può notare come questo ballo sia divenuto un fenomeno di costume strettamente collegato all'immagine di Carrà e capace di travalicare i generi. Le foto mostrano infatti uomini seminudi travestiti con parrucche gialle che ricordano la show woman, donne che ballano il tuca tuca insieme e così via.
La Lush Cosmetics ha di recente lanciato una fragranza ispirata al tuca tuca, qui il link. Per pubblicizzarla, ha organizzato degli happening con presunti commessi della catena impegnati a danzare il tuca tuca per strada, qui il link. Il logo della campagna rprende una celebre foto di Carrà e Turchi sulla copertina del singolo.
E' un ballo molto semplice che quasi tutti possono eseguire. I due danzatori stanno uno di fronte all'altro e, a turno, toccano (da cui il termine 'tuca'), con la punta delle dita delle mani, le ginocchia o le gambe, i fianchi, le spalle e il viso o testa dell'altro. Il toccare è in diagonnale, in quanto la mano sinistra tocca il ginocchio opposto del partner e così pure la destra. Una volta toccato il viso o la testa del partner, le mani toccano la propria testa, quasi a far passare l'energia da un corpo all'altro. Il movimento in diagonale conferisce dinamicità al gesto, che viene continuamente ripetuto e intervallato da un cambré all'indietro con gambe piegate, eseguito con un braccio in alto e l'altro che poggia a terra. E' l'unico movimento articolato di questo ballo che acquisisce spessore grazie alla canzone, il cui testo è ironico e allusivo. Carrà, come si evince dal video, indossava un costume che metteva in mostra il suo ombelico, fatto questo che destò scalpore.
Nonostante sia un ballo di coppia, il tuca tuca non prevede una divisione di genere come altri balli quali il tango. Ossia il ballerino e la ballerina non hanno ruoli diversi a seconda del loro genere (maschio o femmina), ma interscambiabili. Entrambi fanno lo stesso movimento a turno. Questo aspetto viene alterato per esempio quando Carrà esegue il tuca tuca con Alberto Sordi, il cui toccare si carica di una sensualità esplicita, quando, per esempio, egli si sofferma a toccare l'ombelico di Carrà facendo un saltello e spezzando la simmetria del ballo. Va da sé anche sottolineare che Carrà, essendo l'ideatrice del ballo e colei che canta la canzone ad esso abbinata, ha un ruolo preponderante rispetto al suo partner, ma fondamentalmente la struttura del ballo è simmetrica.
Lo scorso 8 agosto, per festeggiare il quarantesimo anno di vita di questo ballo, quasi 500 pesone si sono radunate a Bellaria, in occasione del festival Milleluci, per entrare nel Guinness World Record e ballare il tuca tuca per 5 minuti (qui l'articolo del Resto del Carlino). Dalle foto pubblicate, si può notare come questo ballo sia divenuto un fenomeno di costume strettamente collegato all'immagine di Carrà e capace di travalicare i generi. Le foto mostrano infatti uomini seminudi travestiti con parrucche gialle che ricordano la show woman, donne che ballano il tuca tuca insieme e così via.
La Lush Cosmetics ha di recente lanciato una fragranza ispirata al tuca tuca, qui il link. Per pubblicizzarla, ha organizzato degli happening con presunti commessi della catena impegnati a danzare il tuca tuca per strada, qui il link. Il logo della campagna rprende una celebre foto di Carrà e Turchi sulla copertina del singolo.
lunedì 9 agosto 2010
the hearing trumpet
Leonora Carrington, The Hearing Trumpet [1974] (London: Penguin, 2005).
This is a funny and visionary book that draws the reader into an esoteric and liberating end-of-the-world dimension. Its protagonist is Marian, an old lady who cannot hear very well, and is given a peculiar hearing trumpet, as a present, by her dear and eccentric friend Carmella. Thanks to it, Marian is able to hear of her son’s plan to send her to a “home for senile females”. Marian is not happy about this change in her life, but she is not given any choice.
This place is headed by a mysterious couple, Dr. and Mrs. Gambit who have set up a series of chores and activities for the ladies in the house. One of these activities is called “the movements” and consists of some physical exercises, like rubbing one’s own stomach “in a circular clockwise movement”. Marian reacts to her first session in an unpredictable way, by bursting into an uncontrollable laugh, a destabilising physical response to the silly physical exercises she is being asked to do. As Ali Smith notes in the introduction, Dr. Gambit theories’ are “a mix of cod-therapy talk and religious salesmanship”.
Soon Marian gets to know her fellow guests, who each live in a different space. Veronica Adams lives in a boot-shaped hut, Anna Wetz in a Swiss Chalet, Georgina Sykes in a circus tent, Natacha Gonzales in an Eskimo’s igloo, and Maude Wilkins and Vera Van Tocht share a bungalow “which must have once been a birthday cake”. In the meal-room, a curious figure in a painting attracts Marian’s attention and begins to recur in her thoughts and dreams. It is a winking nun, who seems to have been the head of the house when it was a convent centuries before.
The story takes a strange turn, when Marian is given a book about this nun by Christabel. Carrington begins a long digression centred on the life and adventures of this nun, who looks more like an esoteric witch than a daughter of God. Her name, Doña Rosalinda della Cueva, is imagined by Marian long before she actually knows about it, as if she were establishing an unconscious and direct bond with the nun. And, in fact, the nun represents a kind of catalysing force, which helps the protagonists to find her true self.
After this digression, the narration pace becomes tighter and the story takes unexpected turns. Maude is found dead and Marian attempts to find out how she died. Believing Maude to have been poisoned by Natacha and Vera, Marian and the others organise a hunger strike to get the two suspects out of the house. In this way, the story is transformed into a revolutionary social protest, where female old age is presented as an exciting adventure, as Marian herself affirms: “one would not have expected these kinds of problems in a home for senile old ladies”. The protest makes the ladies closer and more self-confident. In one fascinating scene, they all dance together by the bee pond of the institution:
We began by nodding our heads in time to the drumming, then our feet. Soon we were dancing round and around the pond, waving our arms and generally behaving in a very strange manner. (…) Never before had I experienced the joy of rhythmic dance, even in the days of foxtrot in the arms of some eligible young man. We seemed inspired by some marvellous power, which poured energy into our decrepit carcasses.
This liberating dance is quite different from Mrs. Gambit’s boring exercises and embodies the ladies’ now subversive approach to life. Marian, in particular, ventures into a journey of initiation where she meets and devours herself: “a mighty rumbling followed by crashes and there I was standing outside the pot stirring the soup in which I could see my own meat, feet up, boiling away merrily as any joint of beef”. The story takes a final surprising turn when the earth falls under a new glacial era where the animal and human worlds manage to reunite themselves and time seems a category of no importance.
The Hearing Trumpet is a rollercoaster of fantastic events cooked with subtle irony and signposted by Carrington’s own sophisticated illustrations.
This place is headed by a mysterious couple, Dr. and Mrs. Gambit who have set up a series of chores and activities for the ladies in the house. One of these activities is called “the movements” and consists of some physical exercises, like rubbing one’s own stomach “in a circular clockwise movement”. Marian reacts to her first session in an unpredictable way, by bursting into an uncontrollable laugh, a destabilising physical response to the silly physical exercises she is being asked to do. As Ali Smith notes in the introduction, Dr. Gambit theories’ are “a mix of cod-therapy talk and religious salesmanship”.
Soon Marian gets to know her fellow guests, who each live in a different space. Veronica Adams lives in a boot-shaped hut, Anna Wetz in a Swiss Chalet, Georgina Sykes in a circus tent, Natacha Gonzales in an Eskimo’s igloo, and Maude Wilkins and Vera Van Tocht share a bungalow “which must have once been a birthday cake”. In the meal-room, a curious figure in a painting attracts Marian’s attention and begins to recur in her thoughts and dreams. It is a winking nun, who seems to have been the head of the house when it was a convent centuries before.
The story takes a strange turn, when Marian is given a book about this nun by Christabel. Carrington begins a long digression centred on the life and adventures of this nun, who looks more like an esoteric witch than a daughter of God. Her name, Doña Rosalinda della Cueva, is imagined by Marian long before she actually knows about it, as if she were establishing an unconscious and direct bond with the nun. And, in fact, the nun represents a kind of catalysing force, which helps the protagonists to find her true self.
After this digression, the narration pace becomes tighter and the story takes unexpected turns. Maude is found dead and Marian attempts to find out how she died. Believing Maude to have been poisoned by Natacha and Vera, Marian and the others organise a hunger strike to get the two suspects out of the house. In this way, the story is transformed into a revolutionary social protest, where female old age is presented as an exciting adventure, as Marian herself affirms: “one would not have expected these kinds of problems in a home for senile old ladies”. The protest makes the ladies closer and more self-confident. In one fascinating scene, they all dance together by the bee pond of the institution:
We began by nodding our heads in time to the drumming, then our feet. Soon we were dancing round and around the pond, waving our arms and generally behaving in a very strange manner. (…) Never before had I experienced the joy of rhythmic dance, even in the days of foxtrot in the arms of some eligible young man. We seemed inspired by some marvellous power, which poured energy into our decrepit carcasses.
This liberating dance is quite different from Mrs. Gambit’s boring exercises and embodies the ladies’ now subversive approach to life. Marian, in particular, ventures into a journey of initiation where she meets and devours herself: “a mighty rumbling followed by crashes and there I was standing outside the pot stirring the soup in which I could see my own meat, feet up, boiling away merrily as any joint of beef”. The story takes a final surprising turn when the earth falls under a new glacial era where the animal and human worlds manage to reunite themselves and time seems a category of no importance.
The Hearing Trumpet is a rollercoaster of fantastic events cooked with subtle irony and signposted by Carrington’s own sophisticated illustrations.
domenica 8 agosto 2010
tra sorellanza e inferno (barbarulli)
Sul nuovo numero di Leggere Donna (luglio-agosto 2010), vi è un articolo di Clotilde Barbarulli dedicato a L'Università di Rebibbia (1983) di Goliarda Sapienza. Il titolo dell'articolo, "Tra sorellanza e inferno" (pp. 24-25) fa riferimento all'esperienza della scrittrice all'interno del carcere di Rebibbia. Qui un paio di frasi particolarmente significative:
"Goliarda Sapienza appare anomala perché esprime una resistenza soprattutto alla società esterna più che al carcere, che anzi le sembra una comunità accogliente."
"Nell'oggi, in cui il corpo è stuprato, sovraesposto, usato, pubblicizzato, strumentalizzato ed estetizzato, mentre sulle sue esperienze essenziali - dalla nascita alla morte, alla maternità - intervengono Chiesa, scienza, mercato, media, colpisce come Sapienza disseppellisca quella materia oscura di esperienza che la politica considera altro da sé: si tuffa in queste acque profonde (...) e ne risale arricchita."
appello Leggere Donna
"Goliarda Sapienza appare anomala perché esprime una resistenza soprattutto alla società esterna più che al carcere, che anzi le sembra una comunità accogliente."
"Nell'oggi, in cui il corpo è stuprato, sovraesposto, usato, pubblicizzato, strumentalizzato ed estetizzato, mentre sulle sue esperienze essenziali - dalla nascita alla morte, alla maternità - intervengono Chiesa, scienza, mercato, media, colpisce come Sapienza disseppellisca quella materia oscura di esperienza che la politica considera altro da sé: si tuffa in queste acque profonde (...) e ne risale arricchita."
appello Leggere Donna
sabato 7 agosto 2010
gap (khaki a-go-go)
La danza nella pubblicità non ha una lunga storia. Una delle prime interessanti pubblicità televisive (a mia memoria) ad inserire dei passi di danza è stata la statunitense Gap. Qui la clip che presenta un gruppo di danzatori (uomini e donne) che si susseguono in passi stile anni Sessanta, ispirati al coreografo Bob Fosse (si veda qui un estratto dal suo Sweet Charity per avere un'idea).
Sia gli uomini che le donne indossano i celebri pantaloni color kaki, corredati da magliette colorate (nere per gli uni e rosa e giallo pastello per le altre). I passi sono principalmente fatti di camminate e saltelli, coniugati con movimenti del bacino e del torso. Inoltre l'articolare delle braccia su e giù e lo scuotere e roteare ripetuto della testa (da parte delle donne dai capelli sciolti o lunghi), creano il sapore ironicamente retro della clip. Il ritmo incalzante della musica contribuisce a creare l'atmosfera gioiosa e frizzante. Il tutto è giocato sulla leggerezza, come il titolo della campagna "Khaki a-go-go" che riprende il fancesismo 'a gogo' per invitare i consumatori ad acquistare una valanga di pantaloni.
Sia gli uomini che le donne indossano i celebri pantaloni color kaki, corredati da magliette colorate (nere per gli uni e rosa e giallo pastello per le altre). I passi sono principalmente fatti di camminate e saltelli, coniugati con movimenti del bacino e del torso. Inoltre l'articolare delle braccia su e giù e lo scuotere e roteare ripetuto della testa (da parte delle donne dai capelli sciolti o lunghi), creano il sapore ironicamente retro della clip. Il ritmo incalzante della musica contribuisce a creare l'atmosfera gioiosa e frizzante. Il tutto è giocato sulla leggerezza, come il titolo della campagna "Khaki a-go-go" che riprende il fancesismo 'a gogo' per invitare i consumatori ad acquistare una valanga di pantaloni.
nie e gender (versione online)
In forte ritardo scrivo questo post per ringraziare i Wu Ming di aver messo online il mio articolo su New Italian Epic e gender, pubblicato sul numero di maggio-giugno 2009 di Leggere Donna. Qui il link (questo messaggio è stato inserito il 24 novembre 2009 nella sezione Leggere Donna, viene inserito ora nella sezione NIE di questo blog).
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